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Une nouvelle exposition se prépare déjà à l’Espace Muraille de Genève. A compter du 25 mai, Caroline et Eric Freymond accueilleront la sculptrice Manuela Zervudachi dans leur galerie genevoise.

Passionnée par le modelage depuis l’enfance, Manuela Zervudachi n’a pas hésité à parcourir le monde pour perfectionner son art. Après avoir gagné à Londres son premier concours de sculpture à l’âge de douze ans, Manuela Zervudachi poursuit ses études à la prestigieuse Parsons School of Design de New York où elle se concentrera essentiellement sur le travail du métal. Quelques années plus tard, elle fait le choix de s’installer en Toscane, à PietraSanta, lieu par excellence de la sculpture, regroupant pas moins d’une douzaine des meilleures fonderies de bronze du monde. Sous la tutelle de son maître Fiore de Henriquez, elle y découvrira tous les secrets de la cire perdue et du bronze. Trois années plus tard, Manuela Zervudachi finit par s’installer à Paris avec sa famille.

L’art de Manuela Zervudachi diffuse sa fascination pour l’état de l’homme dans son environnement. Emerveillée par l’espace et le miracle de la vie, elle sculpte les éléments qui composent l’origine du monde : fer, étain, bronze, laiton, terre, résine, plâtre….

Après avoir œuvré autour des thèmes du tarot, du symbolisme du corps, du temps et de la graine, Manuela Zervudachi s’attaque à l’immensité de l’espace. LANIAKEA, l’exposition personnelle qu’elle présentera à l’Espace Muraille, nous promet un véritable voyage sidéral. LANIAKEA ou « horizon céleste immense » en hawaïen est le superamas de galaxies dont fait partie la Voie Lactée. Il représenterait environ 100 000 galaxies. Par ce terme, Manuela Zervudachi aime à nous rappeler que l’homme est minuscule au milieu de ce superamas. Polyèdres en terre cuite, émaillés noirs, nuage en terre cuite patinée…au total, une cinquantaine d’œuvres orneront la galerie genevoise pour une ambiance cosmique.

C’est dans une ambiance agréablement orientale, que l’Espace Muraille de Genève a choisi de clôturer l’année 2017. Après une brève pause, notre galerie favorite vous retrouvera dès le 30 novembre pour le vernissage d’une exposition de Milia Maroun intitulée « Kimabaya ».

Milia Maroun plongera la galerie de la place des Casemates dans une ambiance « route de la soie » à travers une exposition durant laquelle, l’artiste libanaise présentera une version personnelle de la traditionnelle abaya, vêtement typique oriental. C’est de ses multiples voyages et conversations que naît l’idée de la « Kimabaya », un vêtement intemporel fusion entre le kimono traditionnel japonais et l’abaya orientale. Cette réinterprétation du vêtement traditionnel oriental fait suite à une demande du Musée National de Beyrouth qui sollicita la célèbre créatrice en 2003, alors propriétaire de sa propre marque de vêtements « Milia M ».

Aujourd’hui, ce vêtement qui sied aussi bien aux hommes qu’aux femmes se décline en une multitude de couleurs chatoyantes et de matières nobles.

Une occasion peut-être pour les visiteurs de refaire leur garde robe !!!

Voila déjà une semaine que les genevois se font le plaisir d’admirer les œuvres singulières de Marc Couturier à l’Espace Muraille de Genève.

Qui est Marc Couturier ?

Pour celles et ceux qui ne le connaitraient pas encore, Marc Emile Léon Couturier est un célèbre plasticien contemporain français né en 1946 à Mirebeau-sur-Bèze en Côte d’Or. Si aujourd’hui, l’artiste vit et travaille à Paris, ses œuvres sont exposées, on peut le dire, dans le monde entier. Paris, Berlin, Luxembourg, Tokyo… et maintenant Genève ont succombé au caractère unique de l’œuvre du bourguignon.

Loin de tout parcours canonique, l’œuvre de Marc Couturier est celle d’un autodidacte venu tardivement à la sculpture. Incarnant la figure devenue rare d’un artiste catholique croyant, Marc Couturier se plaît à traquer une beauté jusqu’alors indécelable pour l’empreindre d’un certain mystère et d’une spiritualité qui touchent un public large voire même anticléricale.

Si l’on ne devait dire que quelques mots sur l’art de cet artiste, on préciserait certainement que ce qui fait la particularité de Marc Couturier c’est le fait de poser un regard poétique et singulier sur le monde qui nous entoure. Connu pour le concept de « redressement » qu’il a forgé dans les années 90, Marc Couturier s’empare d’objets du quotidien, souvent négligés ou abandonnés, afin de leur redonner une seconde vie plus artistique. Acheiropoïète en grec ancien autrement dit non modifiés par l’artiste; tels sont les objets, les matériaux qui inspirent notre sculpteur. Il se les approprie pleinement puis nous les donne à voir sans les modifier, simplement en les inscrivant dans un contexte muséal qui les met en valeur.

A travers son exposition « Voyage, voyage, des aucubas aux dames de nage », le sculpteur et dessinateur français ne déroge pas à sa règle : une barque qui surgit d’un miroir, une feuille d’aucuba qui devient vitrail… l’Espace Muraille est en effet pleinement investit de l’atmosphère de Marc Couturier jusqu’au samedi 26 août 2017.

S’il est bien présent à Genève en tant qu’artiste céramiste, Edmund de Waal nous rappelle, par l’intitulé de son exposition, qu’il est aussi écrivain. « Lettres de Londres », qui a investi les murs de l’Espace Muraille depuis le 20 janvier et ce jusqu’au 31 avril 2017, est en effet un clin d’œil à Voltaire qui vécut ses dernières années près de Genève, dans la ville aujourd’hui appelée Ferney-Voltaire. A l’instar de cette exposition inspirée du recueil d’écrits de ce célèbre philosophe des lumières, Edmund de Waal n’a de cesse de puiser son inspiration dans la littérature, la philosophie ou encore la musique.

S’il est à la fois céramiste et écrivain, notre artiste anglais met en avant sa passion pour la céramique avant toute chose. Né en 1964 à Nottingham au Royaume-Uni, il se met à créer des pots dès l’âge de 5 ans. Alors que toute sa famille s’inscrit dans une tradition littéraire, il se démarque en fabriquant des pots. Dès son plus jeune âge, il ressent le besoin de créer quelque chose de ses mains puisque, selon lui, tout ne peut pas être dit à travers des mots. L’ironie du sort voudra pourtant que ce soit en tant qu’écrivain qu’il devienne célèbre et même qu’il finisse par être l’écrivain le plus connu de toute sa famille. Sa renommée mondiale en tant que céramiste suivra de peu. Et pour cause, formé dans un premier temps à la King’s School de Canterbury par le potier d’art Geoffrey Whiting, disciple de Bernard Leach que l’on considère comme le père de la céramique anglaise, il poursuivra par la suite ses études au Japon. Tout comme son prédécesseur Bernard Leach, Edmund de Waal a beaucoup d’affinités avec le Japon, pays qui accueillit sa famille alors qu’elle fuyait le nazisme. Mais Edmund de Wall choisira d’emblée de se détacher de Leach. A son retour au Royaume-Uni après de multiples voyages au Japon, libéré de l’influence de Leach, il fait de la porcelaine sa passion et se distingue notamment par son travail du céladon. La majeure partie de son œuvre en tant que céramiste est en effet constituée de pots de porcelaine cylindriques recouverts de céladon. Le céladon apparaissant comme un choix permettant de matérialiser au sein d’un même objet l’union entre l’orient et l’occident.

Avec de multiples expositions dans les musées du monde entier à son actif, Edmund de Waal reste surtout connu pour ses impressionnantes installations d’objets en porcelaine qui, bien sûr, ne manqueront pas à l’appel genevois de l’Espace Muraille. « Lettres de Londres » s’annonce comme une exposition aux fortes influences musicales. J.S Bach, Terry Riley, musique chorale… autant de références à la musique dans des œuvres qui promettent l’émerveillement de tous les sens.

Au programme en cette fin de mois de janvier, la 6ème édition du tant attendu salon ArtGenève au Palexpo. Volontairement nommé salon plutôt que foire, ce rendez-vous genevois devenu incontournable a pour maître mot la convivialité. Et pour cause, le but premier du directeur Thomas HUG est avant tout de « gagner en qualité ».  En effet, les organisateurs d’ ArtGenève s’accordent sur la fait que leur intention n’est autre que « d’établir en Suisse Romande une plateforme de premier plan pour l’art contemporain, l’art moderne et le design contemporain, afin de faire honneur aux exigences de nombreux collectionneurs et amateurs de l’arc lémanique ». Après déjà cinq édition et bientôt une sixième, on peut dire que le pari est plutôt réussi. Lors de ce salon annuel, se côtoient aussi bien galeries internationales, collections institutionnelles ou privées et  amateurs. Les visiteurs y apprécient l’ambiance fort sympathique autour de laquelle les marchands, loin des pressions habituellement connues de ces types d’événements, prennent le temps de discuter avec les collectionneurs et même avec les simples curieux. Un évènement à taille humaine, agréable et convivial où galeristes, artistes, passionnés, amateurs et touristes de passage se retrouvent pour acheter, cela va sans dire, mais aussi simplement pour parler d’art. A ajouter à ce cocktail presque parfait, le petit plus organisé en collaboration avec  la Ville de Genève. Il s’agit d’ArtGenève/Sculpture, une exposition qui, se tenant en dehors des murs du Palexpo, offre aux visiteurs la possibilité de déambuler dans la ville et plus particulièrement au bord du lac Léman pour continuer d’admirer des œuvres d’art.

Autant d’ingrédients favorables qui ne font que rendre évident le succès grandissant de ce salon ArtGenève  confirmé par l’augmentation constante du nombre de visiteurs chaque année.

Il ne vous reste plus qu’à aller jeter un œil au programme ArtGenève 2017 déjà en ligne sur le site du Palexpo, en attendant le début du salon qui aura lieu cette année du 25 au 29 janvier 2017.

Dernier week-end désormais pour découvrir à l’Espace Muraille de Genève le passionnant univers de l’illustrateur et peintre Philippe Lardy. Né à Genève en 1963, Philippe Lardy retrouve en 2010 sa Suisse natale après une carrière d’illustrateur aux Etats-Unis puis en France. Il est accueilli depuis le 07 octobre 2016 dans la galerie d’art d’Éric et Caroline Freymond pour une exposition intitulée « Life Forms ».

Après des études  à l’institut Saint-Luc de Bruxelles, Philippe Lardy poursuit son cursus scolaire à la School of Visual Arts de New York ; ville dans laquelle il décide de s’établir en 1987 et où il commence sa carrière d’illustrateur. Très vite, il s’intègre au sein des dessinateurs américains et commence à illustrer pour les journaux, magazines et maisons de disques les plus populaires de New-York : The New York Times, Time magazine, Rolling Stone, The New Yorker, Levi’s, Bluenote Records ou encore Disney.

Philippe Lardy vit de fastes années à New-York. Fort de ses expériences et de ses nombreuses rencontres, il édite un livre intitulé Gin & Comix dans lequel il regroupe tout une sélection d’artistes franco-européens. En parallèle, le dessinateur prisé s’exporte et expose ses travaux en Suisse, en France et au Japon.

Au début des années 2000, Philippe Lardy aspire à de nouveaux horizons. Tout en conservant ses travaux d’illustrations pour ses clients américains, il décide de rejoindre Paris pour y développer sa carrière de peintre. Même s’il vit son départ de New-York comme un arrachement, il ressent le besoin de retrouver une création plus libre, détachée de la pression et des attentes du métier d’illustrateur et a fortiori de prendre du recul face à sa carrière de dessinateur. L’année 2008 marque la fin de sa carrière d’illustrateur. Fatigué de répondre à des commandes, il finit par abandonner complètement le métier d’illustrateur de presse pour s’adonner à une création totalement personnelle voire même introspective.

C’est donc aujourd’hui en tant que peintre, que Philippe Lardy nous présente ses œuvres à l’Espace Muraille. En passant du monde de la commande au travail artistique personnel, Philippe Lardy est resté attaché à son goût pour les aplats et les couleurs expressives qui ont fait de lui cet illustrateur prisé. Les œuvres de « Life Forms » sont d’ailleurs issues d’un travail préalable sur papier. L’artiste suisse s’est en effet amusé à tordre du papier pour lui donner la forme d’une sorte de séquence d’ADN, s’inspirant ensuite du résultat papier pour peindre des formes géométriques incongrues qui se déplient sur les toiles, telles des formes vitales comme le suggère l’intitulé de son exposition.