Lubaina Himid première femme noire et artiste la plus âgée à remporter le prix Turner.

Le prestigieux Prix Turner salue cette année le travail admirable de Lubaina Himid. Native de Zanzibar, elle fait ses études en Angleterre avant devenir artiste mais également commissaire d’exposition, écrivain et professeur d’art contemporain à l’université du Lancashire central.

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Lors de la cérémonie de remise qui s’est tenue le 5 décembre dernier à la Ferens Art Galery de Hull dans le Yorkshire, Lubaina Himid s’est vue remettre son prix ainsi qu’un chèque de 25 000 livres, soit 30 000 euros, au détriment des autres finalistes Hurvin Anderson, Andrea Büttner et Rosalind Nashashibi. Les juges de la Tate Britain, ayant basée leur décision sur une triple exposition de peintures, gravures et installations à Oxford, Bristol et Nottingham, ont salué le sérieux des thèmes abordés par la lauréate.

hollybushgardens.org.uk

Figure clé du Black Arts Movement dans les années 80, Lubaina Himid est une artiste engagée. Depuis ses débuts, son art révèle explicitement son questionnement vis-à-vis de l’industrie esclavagiste, du colonialisme mais également de la représentation qui est faite de la diaspora noire dans l’art notamment contemporain. Cette édition 2017 du Prix Turner apparaît comme une double victoire pour l’artiste tanzanienne puisqu’elle devient la première femme noire à remporter le prestigieux prix Turner. A 63 ans, elle est également la doyenne des artistes primés par le Prix Turner puisque le jury avait levé cette année la restriction d’âge plafonnée à jusque là à 50 ans.

 

La « Kimabaya » de Milia Maroun investira l’Espace Muraille de Genève

C’est dans une ambiance agréablement orientale, que l’Espace Muraille de Genève a choisi de clôturer l’année 2017. Après une brève pause, notre galerie favorite vous retrouvera dès le 30 novembre pour le vernissage d’une exposition de Milia Maroun intitulée « Kimabaya ».

Milia Maroun plongera la galerie de la place des Casemates dans une ambiance « route de la soie » à travers une exposition durant laquelle, l’artiste libanaise présentera une version personnelle de la traditionnelle abaya, vêtement typique oriental. C’est de ses multiples voyages et conversations que naît l’idée de la « Kimabaya », un vêtement intemporel fusion entre le kimono traditionnel japonais et l’abaya orientale. Cette réinterprétation du vêtement traditionnel oriental fait suite à une demande du Musée National de Beyrouth qui sollicita la célèbre créatrice en 2003, alors propriétaire de sa propre marque de vêtements « Milia M ».

hayatouki.com

 

Aujourd’hui, ce vêtement qui sied aussi bien aux hommes qu’aux femmes se décline en une multitude de couleurs chatoyantes et de matières nobles.

Une occasion peut-être pour les visiteurs de refaire leur garde robe !!!

44ème édition de la FIAC

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Dimanche dernier s’achevait la célèbre Foire Internationale de l’Art Contemporain, plus communément connue sous l’acronyme FIAC. Avec 73 910 entrées en seulement cinq jours, soit une hausse de 2.5% par rapport à celle de l’année 2016, la foire parisienne a profité pleinement de sa notoriété pour faire vivre la capitale française à l’heure de l’art contemporain.

Pour cette 44ème édition haute en couleur, on ne compte pas moins de 190 galeries représentant les artistes les plus côtés et les plus émergents. Outre les galeries les plus importantes de la scène artistique internationale, toujours fidèles à ce rendez-vous annuel du marché de l’art, de nouveaux arrivés ont fait leur première apparition à la FIAC. Le Kosovo, la Tunisie et l’Egypte ont en effet fait leur entrée dans cette grande manifestation d’art contemporain de renommée mondiale, portant cette année à 29 le nombre de pays représentés à la FIAC.

fiac.com

Loin de sa première édition ayant eu lieu en 1974 dans la gare désaffectée de la Bastille, la FIAC de Paris a su devenir une des grandes dates du calendrier du marché de l’art. Investissant comme chaque mois d’octobre les différents espaces du Grand Palais et ayant développé encore cette année son programme « Hors les murs » avec des projets extérieurs dans le Jardin des Tuileries, le Petit Palais, la Place Vendôme ou encore le Musée National Eugène-Delacroix, cette édition de la FIAC a su faire exploser les enchères avec la vente notamment d’un Giacometti à 22 millions d’euros.

fiac.com

 

Marc Couturier à l’Espace Muraille de Genève

Voila déjà une semaine que les genevois se font le plaisir d’admirer les œuvres singulières de Marc Couturier à l’Espace Muraille de Genève.

Qui est Marc Couturier ?

Pour celles et ceux qui ne le connaitraient pas encore, Marc Emile Léon Couturier est un célèbre plasticien contemporain français né en 1946 à Mirebeau-sur-Bèze en Côte d’Or. Si aujourd’hui, l’artiste vit et travaille à Paris, ses œuvres sont exposées, on peut le dire, dans le monde entier. Paris, Berlin, Luxembourg, Tokyo… et maintenant Genève ont succombé au caractère unique de l’œuvre du bourguignon.

Caroline Freymond et Marc Couturier

Loin de tout parcours canonique, l’œuvre de Marc Couturier est celle d’un autodidacte venu tardivement à la sculpture. Incarnant la figure devenue rare d’un artiste catholique croyant, Marc Couturier se plaît à traquer une beauté jusqu’alors indécelable pour l’empreindre d’un certain mystère et d’une spiritualité qui touchent un public large voire même anticléricale.

Si l’on ne devait dire que quelques mots sur l’art de cet artiste, on préciserait certainement que ce qui fait la particularité de Marc Couturier c’est le fait de poser un regard poétique et singulier sur le monde qui nous entoure. Connu pour le concept de « redressement » qu’il a forgé dans les années 90, Marc Couturier s’empare d’objets du quotidien, souvent négligés ou abandonnés, afin de leur redonner une seconde vie plus artistique. Acheiropoïète en grec ancien autrement dit non modifiés par l’artiste; tels sont les objets, les matériaux qui inspirent notre sculpteur. Il se les approprie pleinement puis nous les donne à voir sans les modifier, simplement en les inscrivant dans un contexte muséal qui les met en valeur.

A travers son exposition « Voyage, voyage, des aucubas aux dames de nage », le sculpteur et dessinateur français ne déroge pas à sa règle : une barque qui surgit d’un miroir, une feuille d’aucuba qui devient vitrail… l’Espace Muraille est en effet pleinement investit de l’atmosphère de Marc Couturier jusqu’au samedi 26 août 2017.

Jonathan Nott fait renaître l’Orchestre de la Suisse Romande

A la tête de l’Orchestre de la Suisse Romande (OSR) depuis début janvier 2017, Jonathan Nott compte déjà à son actif des résultats très prometteurs. De la réorganisation de la disposition des musiciens à une tournée de dix jours en Espagne très enthousiasmante, Jonathan Nott est bel et bien décidé à faire renaître l’OSR. Composée de cent douze musiciens, l’OSR assure depuis toujours ses concerts d’abonnés à la salle du Victoria Hall de Genève et au Palais de Beaulieu à Lausanne mais offre également des tournées régulières en Europe, Amérique du Nord et Extrême-Orient qui le conduisent dans les salles les plus prestigieuse du monde entier.

tirée de letemps.ch
tirée de letemps.ch

Pourtant, cette grande institution classique de renommée internationale fondée en 1918 par Ernest Ansermet, a en effet connu une année 2016 plus que houleuse.Suite au départ prématuré de leur précédant directeur Henk Swinnen, les musiciens de l’OSR ont été confrontés à une année sans chef, durant laquelle régnait une atmosphère conflictuelle et pleine de doutes. Fort heureusement, l’arrivée de Jonathan Nott à la tête de l’orchestre finit par mettre tout le monde d’accord. Les musiciens plus qu’heureux de travailler en osmose avec leur nouveau directeur musical, ne manquent pas d’éloges à son sujet et savourent pleinement l’installation de leur chef britannique.

Edmund de Waal: La céramique anglaise s’invite à l’Espace Muraille de Genève

edmund de waal

S’il est bien présent à Genève en tant qu’artiste céramiste, Edmund de Waal nous rappelle, par l’intitulé de son exposition, qu’il est aussi écrivain. « Lettres de Londres », qui a investi les murs de l’Espace Muraille depuis le 20 janvier et ce jusqu’au 31 avril 2017, est en effet un clin d’œil à Voltaire qui vécut ses dernières années près de Genève, dans la ville aujourd’hui appelée Ferney-Voltaire. A l’instar de cette exposition inspirée du recueil d’écrits de ce célèbre philosophe des lumières, Edmund de Waal n’a de cesse de puiser son inspiration dans la littérature, la philosophie ou encore la musique.

Black_milkS’il est à la fois céramiste et écrivain, notre artiste anglais met en avant sa passion pour la céramique avant toute chose. Né en 1964 à Nottingham au Royaume-Uni, il se met à créer des pots dès l’âge de 5 ans. Alors que toute sa famille s’inscrit dans une tradition littéraire, il se démarque en fabriquant des pots. Dès son plus jeune âge, il ressent le besoin de créer quelque chose de ses mains puisque, selon lui, tout ne peut pas être dit à travers des mots. L’ironie du sort voudra pourtant que ce soit en tant qu’écrivain qu’il devienne célèbre et même qu’il finisse par être l’écrivain le plus connu de toute sa famille. Sa renommée mondiale en tant que céramiste suivra de peu. Et pour cause, formé dans un premier temps à la King’s School de Canterbury par le potier d’art Geoffrey Whiting, disciple de Bernard Leach que l’on considère comme le père de la céramique anglaise, il poursuivra par la suite ses études au Japon. Tout comme son prédécesseur Bernard Leach, Edmund de Waal a beaucoup d’affinités avec le Japon, pays qui accueillit sa famille alors qu’elle fuyait le nazisme. Mais Edmund de Wall choisira d’emblée de se détacher de Leach. edmundA son retour au Royaume-Uni après de multiples voyages au Japon, libéré de l’influence de Leach, il fait de la porcelaine sa passion et se distingue notamment par son travail du céladon. La majeure partie de son œuvre en tant que céramiste est en effet constituée de pots de porcelaine cylindriques recouverts de céladon. Le céladon apparaissant comme un choix permettant de matérialiser au sein d’un même objet l’union entre l’orient et l’occident.

Avec de multiples expositions dans les musées du monde entier à son actif, Edmund de Waal reste surtout connu pour ses impressionnantes installations d’objets en porcelaine qui, bien sûr, ne manqueront pas à l’appel genevois de l’Espace Muraille. « Lettres de Londres » s’annonce comme une exposition aux fortes influences musicales. J.S Bach, Terry Riley, musique chorale… autant de références à la musique dans des œuvres qui promettent l’émerveillement de tous les sens.

ArtGenève 2017, le salon d’art qui n’a rien à envier aux grandes foires!

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Au programme en cette fin de mois de janvier, la 6ème édition du tant attendu salon ArtGenève au Palexpo. Volontairement nommé salon plutôt que foire, ce rendez-vous genevois devenu incontournable a pour maître mot la convivialité. Et pour cause, le but premier du directeur Thomas HUG est avant tout de « gagner en qualité ».  En effet, les organisateurs d’ ArtGenève s’accordent sur la fait que leur intention n’est autre que « d’établir en Suisse Romande une plateforme de premier plan pour l’art contemporain, l’art moderne et le design contemporain, afin de faire honneur aux exigences de nombreux collectionneurs et amateurs de l’arc lémanique ». exposants artgeneveAprès déjà cinq édition et bientôt une sixième, on peut dire que le pari est plutôt réussit. Lors de ce salon annuel, se côtoient aussi bien galeries internationales, collections institutionnelles ou privées et  amateurs. Les visiteurs y apprécient l’ambiance fort sympathique autour de laquelle les marchands, loin des pressions habituellement connues de ces types d’événements, prennent le temps de discuter avec les collectionneurs et même avec les simples curieux. Un évènement à taille humaine, agréable et convivial où galeristes, artistes, passionnés, amateurs et touristes de passage se retrouvent pour acheter, cela va sans dire, mais aussi simplement pour parler d’art. A ajouter à ce cocktail presque parfait, le petit plus organisé en collaboration avec  la Ville de Genève. Il s’agit d’ArtGenève/Sculpture, une exposition qui, se tenant en dehors des murs du Palexpo, offre aux visiteurs la possibilité de déambuler dans la ville et plus particulièrement au bord du lac Léman pour continuer d’admirer des œuvres d’art.

Autant d’ingrédients favorables qui ne font que rendre évident le succès grandissant de ce salon ArtGenève dont le succès est confirmé par l’augmentation constante du nombre de visiteurs chaque année.

Il ne vous reste plus qu’à aller jeter un œil au programme ArtGenève 2017 déjà en ligne sur le site du Palexpo, en attendant le début du salon qui aura lieu cette année du 25 au 29 janvier 2017.

Prix Turner 2016

Le prix Turner est certainement une des plus prestigieuses récompenses d’art contemporain au monde. Ce prix, crée par la Tate Modern Museum, fait chaque année le bonheur d’un artiste (ou groupe d’artistes) et ce depuis 1984. Pour pouvoir y prétendre, il est demandé d’être âgé de moins de 50 ans mais aussi d’être né, travaillertuner marten ou résider au Royaume-Uni. La Tate Britain organise la sélection des candidats parmi tous les artistes répondant aux critères et utilisant les nouveaux médias. La nomination se fait ensuite par vote du public. L’évènement est alors fortement couvert médiatiquement, ce qui le rend très célèbre en Outre-Manche. Quelques mois plus tard, en décembre, une grande cérémonie durant laquelle un jury élit l’heureux lauréat a lieu au sein de la Tate. Le prix Turner 2016 a ainsi été décerné le mois dernier à l’artiste londonienne Helen Marten qui l’emporte face à Anthea Hamilton, Michael Dean et Joséphine Pryde.

Agée de 31 ans et connue pour ses sculptures réalisées à partir de matériaux peu communs tels que des peaux de poisson, des œufs, des coquillages ou encore des cubes de craies pour billard, Helen Marten apporte une « contribution exceptionnelle au développement de l’art contemporain visuel»,  pour reprendre les termes du jury.

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Philippe Lardy à l’Espace Muraille de Genève

 

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Dernier week-end désormais pour découvrir à l’Espace Muraille de Genève le passionnant univers de l’illustrateur et peintre Philippe Lardy. Né à Genève en 1963, Philippe Lardy retrouve en 2010 sa Suisse natale après une carrière d’illustrateur aux Etats-Unis puis en France. Il est accueilli depuis le 07 octobre 2016 dans la galerie d’art d’Éric et Caroline Freymond pour une exposition intitulée « Life Forms ».

philippe-lardyAprès des études  à l’institut Saint-Luc de Bruxelles, Philippe Lardy poursuit son cursus scolaire à la School of Visual Arts de New York ; ville dans laquelle il décide de s’établir en 1987 et où il commence sa carrière d’illustrateur. Très vite, il s’intègre au sein des dessinateurs américains et commence à illustrer pour les journaux, magazines et maisons de disques les plus populaires de New-York : The New York Times, Time magazine, Rolling Stone, The New Yorker, Levi’s, Bluenote Records ou encore Disney.

Philippe Lardy vit de fastes années à New-York. Fort de ses expériences et de ses nombreuses rencontres, il édite un livre intitulé Gin & Comix dans lequel il regroupe tout une sélection d’artistes franco-européens. En parallèle, le dessinateur prisé s’exporte et expose ses travaux en Suisse, en France et au Japon.

Au début des années 2000, Philippe Lardy aspire à de nouveaux horizons. Tout en conservant ses travaux d’illustrations pour ses clients américains, il décide de rejoindre Paris pour y développer sa carrière de peintre. Même s’il vit son départ de New-York comme un arrachement, il ressent le besoin de retrouver une création plus libre, détachée de la pression et des attentes du métier d’illustrateur et a fortiori de prendre du recul face à sa carrière de dessinateur. L’année 2008 marque la fin de sa carrière d’illustrateur. Fatigué de répondre à des commandes, il finit par abandonner complètement le métier d’illustrateur de presse pour s’adonner à une création totalement personnelle voire même introspective.

C’est donc aujourd’hui en tant que peintre, que Philippe Lardy nous présente ses œuvres à l’Espace Muraille. En passant du monde de la commande au travail artistique personnel, Philippe Lardy est resté attaché à son goût pour les aplats et les couleurs expressives qui ont fait de lui cetphilippelardylifeforms3artworks1 illustrateur prisé. Les œuvres de « Life Forms » sont d’ailleurs issues d’un travail préalable sur papier. L’artiste suisse s’est en effet amusé à tordre du papier pour lui donner la forme d’une sorte de séquence d’ADN, s’inspirant ensuite du résultat papier pour peindre des formes géométriques incongrues qui se déplient sur les toiles, telles des formes vitales comme le suggère l’intitulé de son exposition.